Año de Publicación:1986 Nacionalidad:Reino Unido Discográfica:Rough Trade Producción: The Smiths
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Lista de temas:
01 The Queen Is Dead
02 Frankly, Mr Shankly
03 I Know It’s Over
04 Never Had No One Ever
05 Cemetry Gates
06 Bigmouth Strikes Again
07 The Boy with the Thorn in His Side
08 Vicar in a Tutu
09 There Is a Light That Never Goes Out
10 Some Girls Are Bigger Than Others
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Vídeo del tema “There is a Light That Never Goes Out”
Año de Publicación:2006 Nacionalidad:Portugal Discográfica:HM Música Producción:Custódio Castelo
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Lista de temas:
01 Saudade por Cantar
02 À Beira do meu Olhar
03 Fonte
04 Plantei um cravo à janela I
05 Apelo
06 Amor, o teu Nome
07 Aquele Lápis de carváo
08 Como se fosse uma flor
09 Barco de Sonhos
10 Sem Querer
11 Se eu Adivinhasse que sem ti
12 Sopra o Vento
13 Lisboa Amor e Saudade . .
Joana Amendoeira, nacida en Santarem el 30 de Setiembre de 1982, es una de las principales y más representativas voces del “novo fado” portugués. Sus primeros pasos artísticos se remontan a 1994, cuando participa por primera vez en la “Gran Noche del Fado de Lisboa”, donde recibe los mayores elogios del público y jurado. En 1995 regresa para participar en una nueva edición que se celebra en Oporto, erigiéndose en ganadora del Primer Premio de Interpretación Femenina. A partir de ese momento, tiene comienzo una actividad regular, ofreciendo recitales por todo el país, esto es, iniciando su carrera profesional.
Joana atesora una exquisita voz de generosos registros para el fado, emotiva y en donde el sentimiento y la sensualidad se mezclan en perfecta armonía. A pesar de su juventud, abraza el clasicismo con una fuerza innovadora. En su cantar, en su interpretación, el fado gana nuevo brío, sin desviarse por ello de su raíz tradicional.
La joven cantante ha conquistado y emocionado ya, en teatros y auditorios de todas partes del mundo. Su primer concierto fuera de su país se produce con motivo del festival “Días de Portugal” organizado por el Instituto portugués ICEP en la ciudad de Budapest en Hungría en 1999. Ese mismo año, Joana graba su primer disco en solitario, “Olhos Garotos” convirtiéndose en una de las primeras jóvenes intérpretes en grabar un disco profesional.
En el año 2000, con motivo de los 500 años del descubrimiento de Brasil, viaja a aquél país donde realiza una gira por diversas ciudades. Edita su segundo trabajo discográfico “Aquela Rua”, disco que recibe las mejores críticas de la prensa especializada. Inicia una estrecha colaboración con el “Clube del Fado” una de las casas de fado más prestigiosas de Lisboa.
En el año 2001 realiza una extensa gira internacional que la lleva a presentarse en Holanda, Italia, Alemania, Hungría, Brasil, Estados Unidos y Francia.
En el año 2002 su reconocimiento internacional es ya una evidencia. Es invitada a visitar Japón en una gira que la lleva a permanecer allí casi un mes. De nuevo, ese mismo año, actúa en Holanda (Utrech), en el prestigioso auditorio Jacques Brel de Fontenay, en Moscú, etc.
En 2003, Joana publica su tercer disco, titulado sencillamente “Joana Amendoeira”, que es recibido entusiastamente tanto por el público como por la crítica especializada, la gira promocional del disco la lleva a países como España, Francia, Holanda y Austria, y su creciente prestigio le permite ser seleccionada para representar el “novo fado” en festivales internacionales de “World Music”.
Aparte de sus discos en solitario ha participado en diversos discos recopilatorios del género: “Novas Vozes, Novos Fados”; Nova Biografía do Fado, en el disco de homenaje a “Moniz Pereira” así como en la banda sonora de la serie de televisión “Joya de África”.
En 2005, ve la luz el cuarto trabajo de Amendoeira, “Ao vivo en Lisboa”, grabado en noviembre de 2004 en una de las más prestigiosas y exigentes salas de la capital portuguesa, el teatro de Saò Luiz. El disco nos transmite todo el esfuerzo y dedicación de Joana y su grupo de músicos; Pedro Amendoeira a la guitarra portuguesa, Pedro Pinhal a la guitarra clásica y Joào Penedo al contrabajo. También colaboran como músicos invitados, José Fontes Rocha a la guitarra portuguesa y Susana Santos al violonchelo. Joana Amendoeira nos demuestra que ha dejado de ser una promesa para convertirse en una auténtica certeza de la música portuguesa actual. En su maravillosa voz, el fado se llena de sublimes armonías vocales, sentidas y sensuales.
“À Flor Da Pele” es el último disco de Joana Amendoeira, donde su estilo personal y único continúa deslumbrando. Dirigido musicalmente por Custódio Castelo y grabado en los estudios “Pé-de-vento” por Fernando Nunes, el disco está lleno de poesía y honestidad artística. La idea fundamental del álbum es la de alumbrar unos fados en los que baste con la voz y los músicos imprescindibles. Pedro Amendoeira a la guitarra portuguesa, Pedro Pinhal a la guitarra clásica y Paulo Paz al contrabajo y el bajo acústico.
Joana canta trece composiciones sobre poemas de Fernando Pessoa, José Luís Peixoto, Pedro Assis Coimbra, Rodrigo Serrão, o Helder Moutinho que sortean lo accesorio para transmitir mejor y más claro el mensaje del fado. El fado es la vida, es dolor y tristeza, pero también es emoción, esperanza y determinación, son historias y sentimientos de quien vive con plena intensidad cada momento, corazón y pasión, con el alma a flor de piel.
Año de Publicación:2001 Nacionalidad:España Discográfica:Siesta Records Producción:Iñaki De Lucas
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Lista de temas:
01 Los Vientos
02 Vapor de Carga
03 Mi Voluntad
04 Desenfocada
05 Trigo Limpio
06 80 Cosas (Al Final del Camino)
07 Qué nos va a Pasar
08 Después de Todo
09 Ventura
10 Sólo tienes lo que das
11 Vini, Vidi, Vinci
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La Buena Vida es un grupo de indie o twee-pop, que nació en San Sebastián (Donosti), en 1988. Fueron encuadrados por su música dulce y melancólica, en el llamado Donosti Sound, etiqueta que pretendió englobar a la escena independiente de la ciudad durante los años noventa. Son indudables las similitudes que les unen a bandas como Family, Aventuras de Kirlian, o Le Mans.
Las influencias del grupo donostiarra van desde la música francesa de “Serge Gainsbourg” o “Françoise Hardy”, pasando por grupos de culto españoles de los setenta como “Vainica Doble”, y la música británica twee-pop de grupos como “Heavenly” o “Belle & Sebastian”. Sin embargo aunque las etiquetas ayuden, casi nunca sirven para definir completamente a La Buena Vida, grupo que ha sobrevivido al resto de los de su generación, convirtiéndose a lo largo de los años en uno de los grupos más consolidados, respetados e influyentes del pop independiente español. Los componentes de La Buena Vida son:
Irantzu Valencia: voz
Mikel Aguirre: guitarra y voz
Javier Sánchez: guitarra
Raúl Sebastián: batería
Pedro San Martín: bajo
José Luis Lanzagorta: teclados
Borja Sánchez: guitarrista y miembro del grupo hasta 1999.
Las primeras creaciones de La Buena Vida son sinónimo de una actitud intimista y desprovista de pretensiones, su sonido es plácido y sencillo y sus letras melancólicas y de estilo naif. Nos narran historias cotidianas, sus canciones están llenas de referencias a estaciones, viajes, tejados, desvanes o paseos por la playa, que utilizan para hablar de sus ilusiones y desencantos, de los primeros amores y sus relaciones de amistad. En lo musical, la susurrante voz de Irantzu, las precisas combinaciones vocales Mikel-Irantzu, el acoplamiento rítmico Raul-Pedro y los perfectos entramados guitarrísticos Javi-Mikel-Borja.
La amistad es el eje sobre el que se sostiene la cohesión del grupo. Sólo hace falta esperar… A Lo largo de los años suman ya ocho discos publicados: “La Buena Vida” (1993), “Los Mejores Momentos” (1994), “Soidemersol” (1997), “Panorama” (1999), “Hallelujah” (2001), “Álbum” (2003), “Vidania” (2006) y la recopilación de sencillos y versiones “Sencillos” (2007). De las dulces e ingenuas vivencias juveniles a la realidad del adulto. Han seguido una evolución natural, tanto en sus letras como en su música, del pop más sencillo e inmediato a los preciosistas arreglos orquestales.
“Hallelujah!” (2001), su quinto álbum, es uno de los mejores de su carrera. Publicado en la pequeña discográfica independiente madrileña, Siesta Records, cuenta con la producción de Iñaki de Lucas y los arreglos de la Orquesta Filarmónica de Praga. Fieles a su esencia, los donostiarras mantienen el sabor taciturno de sus canciones y, como ya hicieran en trabajos anteriores, lo potencian con soberbios arreglos que consiguen trasladarnos de lo cotidiano a lo épico en pocos segundos. Este disco es pura poesía, alberga distintos estados emocionales que oscilan entre la tristeza infinita de “Los vientos” que es el tema de apertura, hasta el último corte, radiante y optimista “Vini, Vidi, Vinci” donde hallamos la seguridad de saber que ya nada impedirá el triunfo del amor. Destacan “Vapor de Carga”, un tema recuperado de las sesiones de Soidemersol, “Mi Voluntad” donde la voz de Irantzu susurra mejor que nunca ese miedos a los cambios, y al vértigo ante la vida. También son memorables, “Trigo Limpio”, donde el amor aparece cargado de trascendencia y espiritualidad y “Qué nos va a pasar”, single maravilloso con unos versos finales de sinceridad total.
Once títulos en suma, pueblan “Hallelujah!”, confesiones íntimas concebidas en algún paisaje imaginario donde los atardeceres son largos, y suena “La question” de Françoise Hardy en el viejo tocadiscos una y otra vez. Un lugar en el que las emociones se mueven al compás del viento y lo más pequeños detalles están cargados de magia. Un lugar que se confunde con nuestro propio corazón. “Tristeza infinita…” cantan en “Los vientos” mientras la orquesta hace que descienda un manto de cuerdas como una caricia celestial.
Año de Publicación:1993 Nacionalidad:España Discográfica:Elefant Records Producción:Rodrigo Silva Ramos
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Lista de temas:
01 La Noche Inventada
02 Nadadora
03 Como un Aviador
04 En el Rascacielos
05 El Bello Verano
06 Portugal
07 El Buen Vigía
08 Viaje a los Sueños Polares
09 Al Otro Lado
10 Carlos Baila
11 Yo te Perdí Una Tarde de Abril
12 Dame Estrellas o Limones
13 El Mapa
14 Martín se ha Ido Para Siempre
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Family fue un grupo de pop donostiarra, formado por el diseñador gráfico Javier Aramburu (voz, guitarras, programaciones) e Iñaki Gametxogoikoetxea (bajo y programaciones). El estilo de Family, situado por la crítica dentro del “Sonido Donosti”, tiene raíz británica. Entre sus influencias destacan las guitarras de Johnny Marr (The Smiths), las líneas de bajo melódicas de Peter Hook (New Order), la elegancia sintética de Pet Shop Boys, o la maestría para la composición de canciones pop de Carlos Berlanga.
Entre 1983 y 1988, los que en un futuro serían Family, formaban junto al periodista Ricardo Aldarondo un grupo llamado “La Insidia“. Más tarde, y ya sin Ricardo pasaron a llamarse “El Joven Lagarto”. En esta etapa (años 1989 y 1990) publicaron una maqueta a los mandos del productor Javi Pez.
Family sólo publicó el disco “Un Soplo En El Corazón” (1993), cuyo título está inspirado en la película homónima de Louis Malle. Sin embargo, existe una grabación casera previa a la aparición de este álbum, la llamada “Maqueta plateada”, además de un flexi compartido con Fangoria versioneando la canción “El signo de la cruz” de Décima Víctima.
El único álbum del dúo, se grabó en Vulcano (estudios de Fangoria), y pronto se convirtió en un disco mítico. Family consigue hipnotizar al oyente desde el primer corte. Todos los temas combinan una intensa dulzura y melancolía, son historias que no se olvidan, que se pueden escuchar año tras año, y siempre resultan refrescantes y evocadoras. Es difícil destacar alguna de ellas, pues el disco no tiene altibajos. “Nadadora” fue elegida mejor canción española de la década por la revista “RockdeLux”, “El Bello Verano” está llena de nostalgia luminosa y esperanzada, “Viaje a Los Sueños Polares” con su ritmo tan emocionado contagia sus ganas de escapar a otra realidad. El final del disco llega pronto, pues los temas no suelen llegar a los tres minutos de duración, y no hay nada que esté de más en un ejercicio admirable de sencillez. “Yo Te Perdí Una Tarde De Abril”, “El Mapa” y “Martín se ha Ido Para Siempre” son canciones demoledoras y amargamente sinceras, concisas y bellas, atraviesan el alma con suavidad y sin compasión. “Dame Estrellas o Limones” es un poema de amor perfecto, y brilla con luz propia, inolvidable.
El grupo rehuyó las entrevistas y la publicidad, llegando a distribuir una única foto de promoción en los medios y rodeándose de un especial halo de misterio. De igual modo dieron conciertos con cuentagotas. Tras disolverse reaparecieron en una ocasión como “Eternamatic”, grupo formado junto a Teresa Iturrioz, (Aventuras de Kirlian, Le Mans, Single) para una fiesta homenaje al locutor Juan de Pablos (Flor de Pasión). Después se fueron para siempre.
En el año 2003 la compañía Elefant reeditó el disco original. También se publicó el álbum “Un Soplo En El Corazón, Homenaje a Family”, donde diversos grupos de la escena independiente española versionaron el disco original. La lista de participantes (La Buena Vida, Astrud, Nosoträsh, Fangoria, La Casa Azul o Los Planetas), demuestra que “Un Soplo En El Corazón” continúa siendo una influencia esencial e irrepetible en la música de nuestro país, sencillamente una obra maestra.
Año de Publicación:2003 Nacionalidad:EE.UU. Discográfica:Rykodisc Producción:Brad Jones
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Lista de temas:
01 1972
02 Love Vibration
03 Sunshine (Come On Lady)
04 James
05 Slaveship
06 Come Back (Light Therapy)
07 Under Your Charms
08 Flight Attendant
09 Sparrows Over Birmingham
10 Rise
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Josh Rouse, cantante, guitarrista y compositor norteamericano, nacido en Nebraska en 1972, pasa los primeros años de su vida viajando por distintos estados y ciudades grandes y pequeñas del oeste del país. California, Wyoming, Utah, el trabajo del padrastro de Rouse obliga a la familia a cambiar de residencia continuamente, y en busca de mayor estabilidad, Rouse decide vivir con su padre, militar de carrera, instalándose primero en Georgia y más tarde en Fort Campbell, Kentucky, muy cerca de la frontera con Tennessee.
Tanto movimiento durante la infacia y adolescencia será una de las claves para comprender su música, repleta de influencias y difícilmente encasillable. Son los años ochenta y Josh admira la música de grupos como “The Smiths”, “The Cure” o “R.E.M” , sin embargo eso no le impide disfrutar también de la música de los años setenta, Steely Dan, Carole King o Fleetwood Mac están también entre sus intérpretes más queridos. La pasión por la música aparece temprano, y aprende a tocar la guitarra enseñado por su tío. En el instituto, Rouse formará una banda “Punk-Rock” con algunos compañeros y empezará a escribir sus primeros temas.
Al finalizar el instituto, Josh asiste durante un tiempo a la universidad Austin Peay de Clarksville en Tennessee, pero pronto cambiará de nuevo de residencia para pasar una temporada en Arizona y en Dakota del Sur hasta que finalmente, en 1996, decide instalarse en Nashville donde encuentra el ambiente adecuado para desarrollar su música. Al contrario de lo que puede parecer desde la distancia, Nashville no es territorio exclusivo del country comercial prefabricado. La escena musical de la ciudad está muy viva, y son muchos los locales donde poder actuar y entrar en contacto con grupos y músicos de gran nivel. Josh Rouse conoce a David Henry, un ingeniero de sonido y productor, que además de haber trabajado con artistas de primer orden del “country alternativo” como “Vic Chesnutt” o “Cowboy Junkies”, también es violoncelista. Juntos comienzan a grabar en el estudio casero de Henry canciones compuestas y cantadas por Rouse, acompañadas de guitarra y chelo. Estas maquetas le darán a Rouse la oportunidad de grabar su primer disco para un subsello de Rykodisc. El disco se publicará en 1998 bajo el título “Dressed Up Like Nebraska” y recibirá una gran acogida por parte de la crítica musical.
El éxito del álbum permite a Rouse centrarse completamente en su carrera musical, y en poco tiempo traba amistad con Kurt Wagner, líder del grupo “Lambchop” con el que colabora en “Chester”, un trabajo algo experimental publicado en 1999, donde Wagner escribe las letras y Rouse pone la música y canta a través un teléfono.
En marzo de 2000, Rouse publica su segundo trabajo, titulado”Home”, es un disco sencillo en el que el artista, con la ayuda del productor Brad Jones, trata de capturar con fidelidad el proceso de creación de sus canciones. Además de grabar nuevo material, Rouse sigue tocando en directo en Nashville, y también hace giras acompañado por artistas como David Gray, Aimee Mann, Sun Volt, y Golden Smog. Además su música empieza a aparecer en programas de televisión y en el cine, en las bandas sonoras de películas como “Hamlet” o “Vanilla Sky”.
El tercer disco en solitario de Josh Rouse será el que de verdad le sitúe en primera fila del llamado “country alternativo”. Josh no se siente demasiado cómodo con esa etiqueta y opina que su música es la de un cantautor sencillo, escrita con sinceridad pero no esencialmente country. El álbum, publicado en 2002 bajo el título “Under Cold Blue Stars”, es un álbum conceptual que narra la historia de sus padres, una pareja que vive en el medio oeste americano en los años cincuenta. Al parecer, el hecho de que este álbum posea un hilo conductor de principio a fin, no es algo premeditado, y según escribía las canciones, Rouse profundizaba en el tema familiar gracias a las historias contadas por sus padres, abuelos y otros parientes. En “Under Cold Blue Stars” Josh Rouse incluye a un nuevo productor aparte de David Henry. Se trata de Roger Moutenot, un experimentado ingeniero de sonido que había trabajado anteriormente para artistas de la talla de John Zorn o Lou Reed. En el disco colaboran músicos como Darren Jesee, batería de “Ben Folds Five” o el multi-instrumentalista Pat Sansone. La producción de Moutenot consigue enriquecer el sonido de Rouse, combinando el intimismo que lo caracteriza con programaciones electrónicas que incluyen arreglos de cuerda y vientos, el resultado es un disco más preciosista y delicado que proporciona a Rouse críticas muy elogiosas.
En 2003, Rouse publicará “1972″, su segundo disco conceptual en el que profundiza en los hallazgos de “Under The Cold Blue Stars”. En esta ocasión el título del disco, el año de nacimiento de Rouse, deja bastante claro el carácter autobiográfico de la propuesta. En el viaje le acompañará un viejo conocido, Brad Jones, bajista, teclista, guitarrista, percusionista y productor de interminable currículo, Ha trabajado entre otros con Chuck Prophet, Allison Moorer, Sheryl Crow, Caitlin Cary, Swan Dive e incluso los colombianos Aterciopelados o los catalanes Els Pets.
“1972″ es un disco de aire “retro” que ahonda en los estilos preferidos de Rouse, Soft-Rock, Soul, Folk sin por ello resultar desfasado. Por encima del ejercicio estilístico sobresale el talento extraordinario del artista para componer luminosas melodías que transmiten alegría y ganas de vivir. Y es que a pesar de la mezcla de estilos, “1972″ es un álbum puramente pop, lleno de melodías y estribillos inolvidables. Tras el primer corte introductorio, un homenaje a Carole King , los temas “Love Vibration” y “Sunshine (Come On Lady)” destacan por su optimismo contagioso y soleado. La canción “James” nos remite a la elegancia del soul cantado en falsete, destacan la flauta y el saxo de Jim Hoke y la guitarra de Joe Pisapia. “Slaveship” es un tema muy festivo y directo que nos conduce rápidamente hasta la mejor canción del álbum “Comeback (Light Therapy)”. En este corte, Rouse es capaz de condensar todo el alma del disco en poco más de cuatro minutos y medio, la influencia de Steely Dan es evidente y los crescendos y arreglos de cuerdas se suceden con exquisita armonía. Tras el clímax, el disco entra en un paisaje más relajado e intimista, podría entenderse como una fase nocturna en la que encontramos cortes hipnóticos como “Under Your Charms” y “Flight Attendant”, canción en la que Rouse dibuja con precisión la indefensión de su infancia en la América rural. También destaca la espiritual “Sparrows Over Birmingham” con su reminiscencia gospel.
Por último para cerrar el álbum, “Rise”, una bellísima canción, que como metáfora de la mañana, va disipando la noche que envuelve a los temas anteriores mediante un largo crescendo agridulce. Rouse parece dejar atrás toda una etapa vital, de hecho antes de publicar su siguiente trabajo, el artista pone fin a su matrimonio para instalarse en España, y comenzar una nueva vida primero en Altea y más tarde en Valencia.
El disco “Nashville”, publicado en 2004 puede ser considerado como una continuación de “1972″, Josh se acompaña del mismo productor y los mismos músicos, aunque en esta ocasión se acentúan las influencias británicas. El tema que se extrae como primer single “Winter In The Hamptons” nos trasporta al Londres de los ochenta, la ciudad de “The Smiths” y la “New Wave”. También destaca la canción “My Love Has Gone” especialmente evocadora y dulcemente doliente. Nashville es agridulce, Nashville es una despedida.
“Subtítulo”, inspirado por su nueva vida en España, es el sexto álbum de Rouse, se edita en, su propio sello discográfico, “Bedroom Classics” y se graba en agosto de 2005 en los estudios de Paco Loco en Cádiz. Como en “Nashville”, Brad Jones se encarga de la producción, el piano y el bajo y Mark Pisapia repite a la batería. La nueva incorporación es Paz Suay, también cantante y actual pareja de Rouse, que colabora a lo largo del álbum, y especialmente en el tema “The Man Who…”. Tras este disco la pareja publicará un EP de duetos, titulado “She’s Spanish, I’m American”, donde el romanticismo atmosférico se combina con un sonido algo más áspero y experimental de lo acostumbrado. En 2007 Josh Rouse publicará “Country Mouse City House”, su último trabajo por el momento.
Año de Publicación:2008 Nacionalidad:España Discográfica:Epic/Sony-BMG Producción:B. Sperber/Caïm
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Lista de temas:
01 Paseo Encendido
02 Grandes Despedidas
03 1000 Kilómetros
04 Domingo de Resaca
05 Cósmica
06 Cuánta Vida
07 Me Tienes Contenta
08 Bolero Falaz
09 Cosas Malas
10 Cuerpo Transparente
11 Parece Que Viene
12 Decibelios
13 Circuitos de Lujo
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Pastora nace en Barcelona en 1996, como propuesta audiovisual. Sus creadores son Pauet Riba(Formentera, 1971), artista visual, y Caïm Riba (Formentera, 1974), músico fascinado por la informática. En sus inicios enfocaron Pastora hacia el directo: Música electrónica envolvente acompañada de proyecciones de imágenes psicodélicas improvisadas en el momento.
En 1998 los hermanos Caïm y Pauet, hijos del iconoclasta cantautor catalán Pau Riba, editan su primer álbum bajo el título “Trip Show Audiovisual Tecno Sinfónic”. Era un disco homenaje a su madre Mercè Pastor, de la cual proviene el nombre del grupo. El disco, de carácter experimental, pasó totalmente desapercibido y la propuesta artística continuó evolucionando. Dos años más tarde, en 2000, Pastora se amplía con la llegada de una voz femenina, Dolo Beltrán (Barcelona, 1974), actriz de teatro, cantante y letrista.
En esta segunda etapa del grupo, el trío barcelonés elabora una música de estilo difícilmente etiquetable, cosmopolita y muy contemporánea, que rompe con los tópicos musicales del país y en la que el componente eléctrónico siendo fundamental no excluye otros estilos más “orgánicos” que hacen su propuesta más accesible y cercana. La voz y las letras de Dolo imprimen personalidad y confidencialidad a sus temas. En 2003 se publica “Pastora” el disco que les permite darse a conocer al gran público gracias a la canción “Lola”. El tema se convierte en un éxito instantáneo (número 1 en la lista española de singles) gracias a su base funky-house y su tono desenfadado y festivo. El álbum, grabado en Londres y producido por Cameron Jenkins (Amaral, Javier Álvarez), está lleno de grandes canciones y consigue sorprender en el anquilosado panorama del momento. Para componer, Dolo elige los temas que le resultan más sugerentes del interminable repertorio de Caïm y los hace suyos escribiendo emotivas letras llenas de soledades, deseos, nostalgias y fuerza, interpretadas de un modo sencillo, cercano y profundamente personal.
“La Vida Moderna”, publicado en septiembre de 2005 es el segundo disco del grupo como trío, y nos ofrece un trabajo, más intimista, que evoluciona desde el disco anterior con más madurez y seguridad sin perder en el camino ni un ápice de la esencia original de la banda. En esta ocasión los productores serán Carlos Cárcamo (creador de “Granada”, grupo precursor del rock sureño) y el propio Caïm Riba. Pastora resuelve de nuevo con maestría la mezcla de electrónica y músicos, del disco se extrae como primer sencillo el tema “Desolado”, una balada acústica emocionante y dolorosa donde sobresale el piano de Vicente Borland. Aunque el disco no tiene altibajos, conviene destacar también los temas “Archivo de Palabras Tristes”, un medio tiempo extraído como tercer sencillo , el tema en catalán “Planetes Marins” con arreglos de cuerda y una intensa belleza, “¿Y Qué Pasa Si Soy del Montón?” otro tiempo lento con guitarra española, cuerdas y piano, o “No Se Puede Más” una canción donde la música va evolucionando arrastrada por el estado anímico de la protagonista de la historia. La crítica alaba el trabajo del grupo, considerando el disco como una obra de gran riqueza musical, llena de matices y con un sonido sutil y especialmente cuidado que asume con valentía mayores riesgos artísticos.
Tras “La Vida Moderna”, Pastora se toma tres años para publicar un nuevo trabajo. “Circuitos de Lujo” es el nuevo, y esperado, disco del trío. Publicado en febrero de 2008, se abre con el single “Grandes Despedidas” que representa a la perfección el nuevo giro que toma la música de Dolo, Caïm y Pauet. Frente a la quietud de su último trabajo, la banda apuesta ahora por una fórmula más directa y enérgica que reivindica lo “orgánico” sobre lo electrónico, invirtiendo los términos de la ecuación sobre la que siempre han apoyado su música.
El proceso de grabación del disco es largo y complejo, la producción corre a cargo de Brian Sperber (Moby, Patti Smith, Dinousar Jr.) y Caïm Riba. La preproducción, que se realiza entre Barcelona y Figueres, cuenta con la batería de Jason Duffy y los arreglos de cuerda de la Orquesta Sinfónica Nacional Checa de Praga. Las voces se graban en su mayor parte en Mallorca, cerca del mar para favorecer la voz de Dolo. La mezcla final y el masterizado se realizan en los estudios “Electric Lady” y “Vault Mastering” de Nueva York, donde se terminan de grabar las voces pendientes.
“Circuitos de Lujo” es un álbum puramente pop-rock, estribillos y melodías muy pegadizas con toques de música electrónica; según el grupo, el disco está pensado para poder tocarse en directo sin grandes complicaciones. Las letras siguen remitiendo a historias de encuentros y desencuentros, de rutinas cotidianas, de dolores y esperanzas… La voz de Dolo sigue transmitiendo historias confidenciales aunque ahora lo haga de una forma mucho más dinámica. Como de costumbre estamos ante un gran disco, muy homogéneo en calidad que nos despliega, en trece cortes, un amplio abanico de paisajes sonoros. Destacan los dos sencillos ya extraídos “Cuánta vida”, un tema de base electrónica-house que nos remite a las mejores composiciones de los británicos “Saint Etienne”, y “Grandes Despedidas” donde el grupo elabora un crescendo sin fin sobre una estructura clásica, de guitarra (Caïm Riba), bajo (Kurt Uenala) y batería (Jason Duffy). Con la canción “Bolero Falaz”, La banda hace una gran versión del éxito del grupo colombiano “Aterciopelados”, y con el tema “Circuitos de Lujo”, Pastora recupera su alma electrónica y relajante con programaciones al estilo de los mejores discos de Sade, que nos transportan a un nivel más introspectivo y sereno con el que concluir el viaje musical.
Pastora es una de esas maravillosas excepciones en el mortecino panorama musical español. Consiguen ser comerciales sin tener que vender su alma por ello, saben mantener un delicado equilibrio en el que reside la clave de su originalidad. Equilibrio en la mezcla de estilos, equilibrio entre música y voz, entre electrónica y “orgánica”. Y en sus historias, siempre presente, la batalla que se libra día a día entre la desilusión y las ganas de vivir, y es que sí se puede más…
Año de Publicación:2006 Nacionalidad:Reino Unido Discográfica: Universal/Island Producción:M. Ronson/S. Remi
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Lista de temas:
01 Rehab
02 You Know I’m No Good
03 Me & Mr Jones
04 Just Friends
05 Back To Black
06 Love is a Losing Game
07 Tears Dry On Their Own
08 Wake Up Alone
09 Some Unholy War
10 He Can Only Hold Her
11 Addicted
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Amy Jade Winehouse, cantante y compositora de música r&b y soul-jazz, nació en Southgate, Londres el 14 de septiembre de 1983, en el seno de una familia judía. A los diez años Winehouse fundó una banda de rap llamada “Sweet ‘n’ Sour”, Amy describió esta aventura como “el pequeño grupo de judíos Salt ‘n’ Pepa“. Acudió a la escuela de teatro “Sylvia Young Theatre School” a los 12 años, pero fue expulsada a los 13. Más tarde fue al Colegio Británico de Selhurst, Croydon.
En la familia Winehouse la música siempre fue importante, Amy creció escuchando, desde el Hip-Hop de Salt ‘n’ Pepa al jazz de Sarah Vaughan o Ella Fitzgerald. Le regalaron su primera guitarra a los 13 años, y en poco tiempo su talento es reconocido. Su amigo Tyler James, cantante de soul, le pasa una maqueta suya a un productor de la mítica compañia Island/Universal, con la que Winehouse firma a la edad de 16 años.
En 2003, Amy publica su primer trabajo, titulado sencillamente “Frank” y producido por Salaam Remi, productor entre otros de The Fugges, Sade, Santana o Nas. El disco obtuvo buenas críticas y vendió más de 500.000 copias en el Reino Unido. Escuchando este primer trabajo encontramos, aparte de coincidencias vocales con grandes divas del jazz y del soul como Billie Holiday o Aretha Franklin, un fresco sentido del funk que la distingue de sus compañeras británicas y la acerca más a Erykah Badu o Lauryn Hill. En “Frank” hay espacio tanto para el jazz como para el Hip-Hop, se trata de una visión actualizada y contemporánea del jazz de los años cincuenta y sesenta, quizás con un enfoque más pop y sencillo, pero si perder por ello la esencia y el espíritu de los humeantes clubes nocturnos.
En 2006 se publica su segundo albúm, “Back to Black” y con él, la cantante asciende a la categoría de superestrella. La crítica es unánime al considerar a Winehouse la cantante soul del momento, “Back to Black” es un disco emocional, personal, y desafiante, Amy se descubre como una gran compositora y muestra una voz más madura. En sus nuevas canciones, producidas en esta ocasión por Salaam Remi y Mark Ronson, encontramos con una mayor influencia del estilo motown de los sesenta y una actitud más personal y directa. Entre los temas del disco,”Rehab” nos presenta irreverencia y desafío en clave gospel y con reminiscencias de Aretha Franklin, en “He Can Only Hold Her” el desamor nos remite a Marvin Gaye, mientras que “Tears Dry On Their Own” revive el estilo sencillo y pegadizo de Diana Ross & The Supremes.
Amy es ya una estrella global, en la entrega de los premios Grammy 2008, resultó la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada: Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por “Rehab”, además de Mejor album pop vocal por “Back to Black”.
Aunque su vida privada se airee en los medios y su personalidad resulte en ocasiones excesiva y autodestructiva, el talento y el éxito de Winehouse es apabullante, su voz, su interpretación y sus letras demuestran que el soul o el jazz están muy vivos, y no tienen por que pertenecer a una reducida élite.
Año de Publicación:2007 Nacionalidad:EE.UU. Discográfica:Lost Highway Producción:Hal Willner
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Lista de temas:
01 Are You Alright?
02 Mama You Sweet
03 Learning How To Live
04 Fancy Funeral
05 Unsuffer Me
06 Everything Has Changed
07 Come On
08 Where Is My Love?
09 Rescue
10 What If
11 Wrap My Head Around That
12 Words
13 West
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Lucinda Williams es una cantante y compositora norteamericana nacida en Lake Charles (Lousiana) en 1953. Su padre Miller Williams, profesor de literatura, le transmitió un temprano amor tanto por los libros, como por la música country de Hank Williams.
Sus habilidades musicales se desarrollan al mismo tiempo que la familia cambia frecuentemente de residencia, Lousiana, Mississippi, Georgia… y también Latinoamérica, Chile, México… Lucinda toca la guitarra desde los doce años, pero será primero en México D.F. y más tarde en Nueva Orleans, donde haga sus primeras actuaciones. Su estilo es honesto y directo, comienza a actuar como una joven cantante folk que interpreta con voz rota versiones y temas clásicos del cancionero country sin renunciar al rock.
En 1978 graba su primer trabajo para el sello Smithsonian’s Folkways, el álbum titulado “Ramblin”, reúne una selección de temas de country, folk, blues y música cajún tradicional. En 1980, se publicará la segunda entrega, “Happy Woman Blues”, que será su primer disco de composiciones propias. Se trata de un gran paso adelante, y aunque su estilo esté muy condicionado por el enfoque purista tradicional del sello discográfico, estas canciones evidencian su gran talento y personalidad.
En 1984 Lucinda Williams se muda a Los Ángeles con perspectivas de firmar con una importante discográfica, pero tendrá que esperar hasta 1988, para que de la mano de una pequeña compañía independiente británica (Rough Trade), vea la luz un nuevo álbum titulado sencillamente “Lucinda Williams”. El disco no causa mucho revuelo, pero si sienta las bases del country alternativo de Williams, letras llenas de poesía y desprovistas de artificio que hablan de fracasos amorosos, de nostalgias y deseos, de personajes femeninos que parecen ser reflejo de sus pasiones y sufrimientos. Destacan temas como “Crescent City”, “Side of the Road”, “Changed the Locks” o “Passionate Kisses”.
Williams decide mantener en todo momento el control de su carrera artística, y habiendo obtenido ya el reconocimiento unánime de la crítica musical, decide tomarse su tiempo entre disco y disco y seguir grabando en sellos pequeños en los que puede disfrutar de mayor flexiblidad y autonomía, por contra, esto le impedirá ser conocida por el gran público durante años. En 1992 aparece “Sweet Old World”, una melancólica reflexión en torno a la muerte y el sentimiento de pérdida, la canción “Pineola” habla del suicidio de un poeta, amigo de la familia Williams. Tras la publicación del disco, las canciones de Lucinda comienzan a ser versionadas por conocidos intérpretes como Emmylou Harris, Mary Chapin Carpenter o Tom Petty.
El perfeccionismo, casi obsesivo, de la artista obliga a seís años de espera hasta su siguiente disco, tras un complejo proceso de grabación por el que desfilarían varios productores, el esperado trabajo “Car Wheels on a Gravel Road” se publica al fin en 1998 en Mercury, siendo esta vez un rotundo éxito tanto en críticas como en ventas. Se trata de la obra maestra de Williams, una brillante entrega de rock de raíces contemporáneo con cierto aroma country y blues. El álbum recibe un grammy en la categoría de música folk, hecho que resulta un tanto paradójico teniendo en cuenta que estamos ante el trabajo más rockero y áspero de Lucinda. Destacan “Drunken Angel”, homenaje al transgresor Steve Earle, “Joy” o “Greenville”.
Tras el éxito de “Car Wheels on a Gravel Road”, la cantante abandona Mercury Records para fichar por Lost Highway donde en 2001 publicará “Essence” un disco más intimista, introspectivo y reposado en el que Lucinda empleará letras sencillas con resultados de contundente lirismo. En el álbum destacan temas como “Lonely Girls” o “Get Right With God”, por la que Williams obtendría su tercer grammy, esta vez como mejor vocalista femenina en la categoría de rock. En 2003 aparece “World Without Tears”, su disco menos convencional. En esta ocasión Williams no sólo da rienda suelta a sus estilos predilectos, sino que afronta nuevos retos, componiendo de manera más abierta y experimental. Entre los temas del álbum destaca “American Dream” una irónica y ácida critica social del “sueño americano” en la que Lucinda emplea el fraseo característico del rap, y “Those Three Days” una queja dolorida tras un amor efímero.
Tras los dos discos en vivo, publicados en 2005 “Live at Fillmore” y “Live from Austin (TX)”, en 2007 Lucinda presenta “West”, uno de sus mejores trabajos por el momento. En este disco, marcado por la muerte de su madre y una ruptura amorosa, Lucinda se nos presenta más confidencial y autobiográfica que nunca, compartiendo con nosotros su duelo y al mismo tiempo liberándose de él. Destacan los temas “Mama You Sweet”, “Fancy Funeral”, y la interpretación de “Where is My Love” que dibuja a la perfección los sentimientos de soledad.
Lucinda Williams ha sido considerada por muchos el equivalente femenino de Bruce Springsteen o Bob Dylan, ella tiene carácter suficiente como para no necesitar comparaciones. Incluso sus canciones más sencillas están llenas de maestría, sus letras y recursos poéticos, sus atormentados y conflictivos personajes, el torrente de emociones y matices que transmite su voz… Su arte nos remite a la desesperanza, al dolor, a la nostalgia, pero al mismo tiempo nos sirve para despertar el impulso por enfrentarlas y vencerlas.
Año de Publicación: 1986
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